Эпоха перемен (Часть I)

Никогда ранее мода не менялась так быстро и так кардинально, как в 1910 году. Русские сезоны в Париже ввели в мировую моду экзотику и ориентализм - уважающая себя модница в это время должна была выглядеть как рабыня в гареме. Прозрачные муслиновые туники, драпированные или с декоративной отделкой, напоминали древнюю Грецию; тюрбаны, широкие панталоны с вышивкой и набивным рисунком – Восток; рукава кимоно и асимметричные застежки – Азию. Египет, Индия – в модном калейдоскопе смешались все экзотические страны и вся палитра красок. Однако в середине десятилетия все это великолепие исчезло…
Это было время первых fashion-сьемок, которые стали появляться в таких журналах, как VOGUE, ранее все модные иллюстрации были исключительно рисованными.

 

 

Актеры кинематографа и театра, певцы, танцоры становились первыми тренд-сеттерами - поклонницы копировали их туалеты с открыток. В России иконой стиля была актриса Вера Холодная, в ее честь назывались туфли и шляпки, была даже прическа «а-ля Холодная». В мужской моде тон задавали футуристический, со своей знаменитой яркой желтой блузой, Владимир Маяковский и певец Александр Вертинский. Популярной светской фигурой и законодательницей мод была художница Наталья Гончарова. С ее легкой руки вошел в моду боди-арт – светские львицы того времени выезжали, по словам С.Дягилева, «с лошадками, домиками и слониками, нарисованными на лбу, щеке или шее».

Русский балет стал началом новой эпохи развития мировой моды: в конце первого десятилетия ХХ века в Париже начались гастроли труппы Сергея Дягилева. Знаменитые «Русские сезоны». Пресса писала о них как о «революции» и начале новой эры в балете, премьеры пользовались фееричным успехом. Это было связано не только с музыкой и хореографией, но и с потрясающей целостностью всех компонентов сценического действа. Впервые декорации и костюмы создавались по эскизам одного художника - Льва Бакста. Его фирменные восточные мотивы и драпировки, яркий феерверк чистых красок резко контрастировали с четкими фасонами и расцветками того времени. Одежда легендарных танцоров, таких как Нижинский, вдохновила на ориентализм и смелые цветовые сочетания весь Париж, который был тогда все еще единственным центром мировой моды. Эскизы Бакста немедленно приобретает парижский Музей декоративных искусств. В России проходят великосветские балы, гости которых одеты исключительно в костюмы по его театральным эскизам. Он становится непререкаемым авторитетом в вопросах стиля и моды. Признание публики побудило художника попробовать рисовать эскизы модных туалетов, но они оказались слишком сложными, чтобы превратиться в обычные платья. Зато его наработки использовал Поль Пуаре, хотя ведущий кутюрье того времени и отрицал влияние на свое творчество Бакста.

Пуаре был настоящим создателем высокой моды, «диктатором», навязывающим обществу свои представления о красоте женщины. До него кутюрье были просто портными, создававшими модели по заказу клиента. Он придумал театрализованные показы мод- первый показ в форме маскарада он устроил 24 июня 1911г. Первым отказался от корсета, а в числе его новинок были «хромающие» юбки. Это были узкие прямые или суженные книзу юбки, ходить в которых можно было только маленькими шажками, так как разрезы тогда не допускались. Продавались специальные ремни, чтобы дамы перетягивали ими ноги на уровни щиколоток. Поль Пуаре не раз заимствовал идеи Льва Бакста, даже посещал все без исключения премьеры «Русских сезонов». В результате появились платья в стиле греческой архаики, юбка-абажур, навеянная костюмом главного персонажа в балете «Синий бог», широкие шальвары и многое другое. Он ввел в повседневную моду яркие «фирменные» цвета Бакста: желтый в сочетании с ярко-синим или розовым, оранжевый - с изумрудно-зеленым. Художник и кутюрье даже планировали вместе организовать бал «в честь русского балета», но праздник отменили, так как два гения не смогли договориться, кто же из них является первооткрывателем ориентального стиля.

Огромный вклад в моду внес Мариано Фортуни. Пока Пуаре стремился поражать новыми стилями, ему удалось - на волне увлечения античной Грецией – создать образы, которые оказались совершенно неподвластны времени. У Фортуни вручную изготавливали ткани в технике набойки для чудесных шарфов и мелко плиссированные шелковые платья-«дельфос» роскошных расцветок: оранжевые, красные, жемчужно-серые, фиолетовые... Гениальные в своей простоте платья: они, стекая с плеч до пола, подчеркивали изгибы тела. «Дельфос» воспринимались как изысканная альтернатива моде, настоящие произведения искусства, были в моде на протяжении десятилетий и до сих пор воспринимаются как абсолютно современные. Эти платья стали знаком высокого статуса и интеллектуального подхода к моде. Иногда их украшали набивным орнаментом, дополняли накидками, туниками. Айседора Дункан не только носила платья-«дельфос» в жизни, но и выступала в них на сцене, она была какое-то время самой верной клиенткой Мариано Фортуни, пока не сменила стиль на струящиеся полупрозрачные силуэты.

Появившаяся в 1913 году в Довиле модистка Габриель Шанель в отличие от модных ярких расцветок и изысканного кроя выбирала незамысловатые фасоны и приглушенную гамму: черные, серые, бежевые, темно-синие тона. О Пуаре она открыто заявляла, что находит его стиль и цветовую гамму «варварскими». В 1916 году американский VOGUE обьявил простые и безумно дорогие платья от Шанель «образцом воплощенного стиля». Ее знаменитые маленькие платья, прямые до колен, без какой-либо отделки, носили с маленькими шляпками и короткой стрижкой. Они придавали облику модницы вид независимой свободы.